不停歇地创作，就是保持灵感最有效的方法。

我认为，不停歇地创作，可以保持一个艺术家的敏感度，而一个敏感的艺术家则会发现，生活里的灵感其实无所不在。

清晨，睁开眼看到的第一缕从天窗洒进来的橘色阳光。冬末，静止的湖面反射的那亦真亦假的山峦倒影。三月，郁金香在春日的阳光下，闪烁着的迷人高光。还有我的小猫咪，打着哈欠，抻着懒腰，散落在阳光照耀的空气里， 那闪着光的茸毛，这些点滴都是我的绘画的灵感来源。

绘画可以分为“向内”与“向外”的两部分。创作的过程是一个“向内”自我审视的过程，在认识自我的同时，更新自己对这个世界的更为清晰的认知。而最终的作品，它的完成过程则是“向外”的。绘画的最终目的是与外在的世界产生对话，产生相互关系的。

在中央美院油画系一工作室的古典写实绘画训练，让我养成主动观察、审视客观真实的绘画习惯，从认识论的角度来思考我观察的对象。而在美国东西海岸分别上学生活的六年经历里，又让我在创作中加入更多的主观情绪与观念。 或许，这不单单是绘画这一学科的创作论，甚至可以理解为 一种东西文化间的绘画意识的差异，展现出两种迥异的思维方式与绘画逻辑。也正是因为这样的经历，我的作品如今最终呈现的面貌是一种中间值——介于抽象绘画与具象绘画之间的微妙临界点。

在艺术里，视觉灵感总是始于我看到的真实世界。在感知所见后，去重构客观世界，最终在形成的作品里得到一个完整呈现。

例如，我最近在创作的一个系列 :《加州罂粟》。 加州罂粟是一种生命力极其旺盛的小野花，连片的生长在环境十分恶劣的炎热沙地里。春末夏初的季节， 这种小花在加州随处可见，肆意开放。它花瓣明艳娇弱，颜色让人无法忽视。这种存在于自然界中的细微 之处，往往蕴含的能量是巨大而惊人的。

当你看着在岩石上开出的一团团的、倔强的橘色小花时，你会油然而生出一种无法抗拒的感动。我感到，我需要把这些小花记录下来，也需要把我内心里遇到的感动也画下来。花是客观真实的，那种感动却是十分抽象的。在我的创作中，最难的部分就是拿捏 这份客观与主观的比例、抽象与具象重合的关系。而在我的另一个系列《 SF downtown 》里，我的灵感源于旧金山的市中心，那些现代主义建筑。这些绘画就是我去主动拥抱创作过程中的矛盾，去表达当我想竭力去抓住抽象与具象之间的临界点时，所产生的内心的困难与阻力，去怀疑是否所见即真实?

在今年年初的时候，我开始创作蜡画系列《风的 痕迹》和《天将暗时翻滚着的浪花》，这些画灵感源于我在海边的散步。散步时，微风拂过水面，泛起了层层涟漪，而那些纹理其实也就是时间流过的痕迹。当我望向那循环往复的水纹时，我说不清它们是水中的涟漪，还是天上的云朵。

而蜡画这一特殊的材质，它的英语是encaustic， 这个词起源于希腊语enkaustikos，意思就是“燃烧”。 这种绘画技法在希腊罗马古代艺术中经历了她的鼎盛 时期。Encaustic的稳定性可以使作品经历数千年不变色，并且作品的表面始终散发着如玉般的光泽与触感。我发现，这种需要灼烧的材料，可以恰到好处地表现正在流动着的海面。可以说，我在绘画里模拟着海浪，也可以认为其实是在试图抓住一段时间。

绘画作为一门实践类学科，它最大的魅力其实就是它的创作过程。在创作过程中，我们会遇到各种各样的矛盾与问题，而这些问题也会引发新的思考，可以引导着我慢慢地在生活中的其他的时间、其他的场景中寻找答案。我在不停的创作中寻找新的灵感，也在不断的创作中找寻答案，更在不断的创作里逐渐成长。绘画给我们答案，与此同时，它也一直在抛出问题。