作为1911的合作艺术家，这是上次小型展览后第二次在1911做活动，这次活动我们就换一个新的方式Pop-up shop,快闪店。

选择这种方式是因为我的原创作品从艺术品向潮流文化艺术品牌转变。

我们希望把这个临时的品牌店形式做成一种标准，将来在更多商业发达区突然性的闪现一个个短期新鲜的风格化品牌店，推广我们的艺术和文化给更多朋友认识。 

介绍我自己的艺术和品牌，就简单讲讲这些年我们所处的时代变化和遇到的困境及机遇，让大家大概了解一下吧。 

2005年，我在加利福尼亚为自己的绘画事业苦苦迷茫后，回到故乡昆明寻找创作主题。

我舍弃了所有原本美术院校里的方法，孤注一掷按照自己骨子里的兴趣喜好去画画，那时的想法就是，画自己的风格只给和我有同一类兴趣和感受的人欣赏。 

2007年，亚洲艺术市场迎来了经济繁荣的黄金时代，各国的画廊在北京艺术家越来越贵的时候，来到昆明这个文艺边疆城市，掘金尚未开发的青年人。我也有幸签约了台北的画廊，走上了纯靠作品养活自己的艺术职业化道路。

2008年，在画家职业生涯里我一直在追求强烈风格化的的绘画形式，我主要着眼于空间和时间两个方面，空间地域上是概括的东方感，时间上保留80后时代特征，始终在创作画面元素上都在保留这两个创作点，并一直延续着。

2009年，雷曼经济危机对于奢侈品最高极端的艺术收藏市场影响开始显现，但那是我职业生涯中最愉快的几年，我工作室任然在昆明，但台北、北京、上海、吉隆坡展览不断，参加了几乎全亚洲范围内的所有艺术博览会。

 2010年，我已经30岁了，每天画画15个小时，不满足于现状，想去艺术更核心的地方感受这个时代的样子，寻找一下新思路。

2012年，我工作室搬到北京之初，受着看上去更当代、更观念的艺术形式的影响，创作想法短暂动摇过，然而艺术就是一个自我认识的修行，我发现起初的想法是对的，自己的风格化需要坚持，但作品形式上可以用更多的创作形式来表达。 

2014年，耗时巨大、数量极少的艺术品能否让更多艺术爱好者认识、推广变成一个问题。物并不以稀为贵，而是物以知为贵，推出限量复制版画，作品变成了让每一位喜欢的人都能拥有的东西。 

 2015年，我的作品出现了立体的雕塑，虽然是新的形式，但我继续保持空间上的东方感和时间上的成长记忆，一直到后来创作的雕塑的种类数量越来越多，立体作品都在确保和画面成统一的面貌风格。

2016年，随着各个城市新兴的文创行业的兴起，艺术品不再是昂贵的事情，大众越来越接受物质向精神层面的享受，也越来越认知这种强烈风格化的艺术，艺术摆脱原有姿态进入消费领域，在新的艺术生存环境下，变成了可以辅助补贴原创艺术的方式，我的作品图像开始了与小生活用品、纪念品、礼物结合的艺术衍生品。 

2017年，随着大环境人们消费观念的转变，艺术品从投资转向消费功能成为不争的事实，能否跟上这个瞬息万变的节奏，成为几乎所有曾经高高在上的昂贵艺术需要抉择的事情，要么保持姿势无边等待，要么完成升级进入新一代人的接纳范围。我们也变成团队协作方式，才能从衍生品完成艺术跨界那一步。 

2018年，我们选择的项目以兴趣为出发点，始终以有趣和好看为第一追求，服装成为了第一个跨界项目。我们希望秉承最初的空间上的东方元素，时间上的年轻潮流感为设计思路，做成可以穿在身上的艺术，让服装成为我们艺术精神的延伸。 

 2019年，我们开始另一个跨界项目，合作团队选择了一个和我画作一样的美学景色的地点，打算建造我们自己的主题艺术酒店。并计划今年内和喜欢我们的朋友见面。 

 未来我们将继续秉承东方、简约、年轻为理念，做艺术与设计的跨界，同时推出我们一贯风格的艺术作品和设计产品，并始终保持强烈风格化的小众品牌姿态，服务于对于我们的美学有相同认知的群体，并乐于和其它品牌和实体做更多跨界合作。

end～